25 pel·lícules més importants que ja hauríeu d'haver vist

Entreteniment

Tot i que les pel·lícules noves poden ser influents per al mitjà, és molt més probable que les pel·lícules més antigues prengui el protagonisme (però estigueu atents a aquest espai per a les pel·lícules més significatives del segle XXI). Ho van fer primer després de tot. Tot i que les pel·lícules posteriors podrien ser visualment més atractives o entretingudes, hi ha una clara distinció entre 'el millor' i 'el més important'.

Com a resultat, aquestes no són realment pel·lícules familiars, però això està molt bé perquè les pel·lícules no sempre han de ser serioses. Aquestes pel·lícules, però, són per a cinèfils i cineastes. Tot i que hi ha una certa superposició, aquestes pel·lícules van ser les millors per influir en els altres; eren els que caminaven mentre corrien els teus favorits; són les pel·lícules més significatives que s'han produït mai.

Taula de contingut

• 1 8½ (1963)
• 2 2001: Odissea de l'espai (1968)
• 3 Un tramvia anomenat desig (1951)
• 4 Tot tranquil al front occidental (1930)
• 5 El cuirassat Potemkin (1925)
• 6 Sense alè (1960)
• 7 Ciutadà Kane (1941)
• 8 Doble indemnització (1944)
• 9 Al país dels caçadors de caps (1914)
• 10 Intolerància (1916)
• 11 L'home amb una càmera de cinema (1929)
• 12 Metròpoli (1927)
• 13 Nosferatu (1922)
• 14 Rashomon (1950)
• 15 Roma, ciutat oberta (1945)
• 16 Blancaneus i els set nans (1937)
• 17 Diligència (1939)
• 18 Els 400 cops (1959)
• 19 Les aventures de Robin Hood (1938)
• 20 El carro fantasma (1921)
• 21 El setè segell (1957)
• 22 El mag d'Oz (1939)
• 23 Problemes al paradís (1932)
• 24 Un gos andalús (1929)
• 25 Dins les nostres portes (1920)

8½ (1963)

El famós Sunset Boulevard i Sullivan's Travels són dos exemples de pel·lícules sobre pel·lícules que es van fer abans de l'any 812, però no va ser fins a la imatge somiadora i plena d'angoixa de Federico Fellini que realment van formar un gènere en si mateixos.

En una línia similar, mentre que els cineastes s'havien incursionat en obres molt autobiogràfiques sobre ells mateixos, Fellini va inspirar tota una onada de cineastes a fer pel·lícules sobre cineastes en dificultats que intentaven fer pel·lícules, inclòs Woody Allen (en la seva estafa de 812, Stardust Memories), Truffaut. (a Day for Night), i gairebé tots els altres directors sorgits en els últims 30 anys narcisistes. Tots els artistes se sentirien atrets per les estranyes escenes de Fellini, les barreges de sexe i el dolor i les metameditacions sobre pel·lícules.

2001: Odissea de l'espai (1968)

Des de comèdies com Dr. Strangelove fins a èpiques històriques com Barry Lyndon i, per descomptat, ciència ficció amb l'obra mestra atemporal 2001: A Space Odyssey, Stanley Kubrick va revolucionar contínuament els gèneres. Es pot argumentar que el 2001 va ser el primer gran pel·lícula de ciència ficció fet a l'època moderna. Amb la seva exploració psicodèlica, va capturar meravellosament l'ambient hippy-dippy somiador de l'època hippy-dippy.

Aquesta imatge sobre una expedició compromesa a Júpiter està plena de delicadesa i una direcció realment magistral, però són els efectes especials innovadors i la conclusió avantguardista els que li donen un significat tan crucial.

Un tramvia anomenat desig (1951)

A Streetcar Named Desire seria una molt bona pel·lícula que fàcilment podria haver estat una obra de Tennessee Williams sense la seva complexa trama psicològica i el seu diàleg impressionant, però és l'actuació específicament cinematogràfica la que fa d'aquesta una de les pel·lícules més significatives que s'han fet mai. Tot i que tot el repartiment és gairebé impecable (Vivien Leigh, Kim Hunted, Karl Malden, Peg Hillias), A Streetcar Named Desire té el que podria ser Stanley Kowalski de Marlon Brando com l'actuació més significativa de la història del cinema.

Tot i que Brando ja havia mostrat el seu talent al cinema a The Men, ho va fer aquí mentre també actuava a l'obra de William Shakespeare, fusionant els seus antecedents d'actuació escènica i cinematogràfica per crear una interpretació cinematogràfica moderna. El moviment New Hollywood i actors com De Niro, Pacino, Hackman i Hoffman van ser possibles gràcies a l'actuació de Brando, que va introduir Hollywood a l'autenticitat, l'espontaneïtat i la tensió neuròtica de l'actuació de la vida real.

Tot tranquil al front occidental (1930)

Lewis Milestone, un dels directors que més han treballat en l'entreteniment, va ser un mestre de les adaptacions cinematogràfiques i aquest és el seu millor. També va dirigir Of Mice and Men, Mutiny on the Bounty i The Front Page, tots clàssics, i aquesta és una de les primeres grans pel·lícules de guerra, All Quiet on the Western Front, un relat emocionalment poderós i cinematogràficament fascinant d'homes joves de front de batalla a la Primera Guerra Mundial.

L'èpica americana segueix els estudiants mentre passen d'idealistes a veterans traumatitzats i desil·lusionats a les primeres línies i trinxeres de la guerra. La visió del món de totes les pel·lícules contra la guerra, així com pràcticament tots els aspectes tècnics de les pel·lícules de guerra, s'han vist afectats per All Quiet al front occidental. Tot i que es va crear l'any 1930, encara s'ha de veure.

El cuirassat Potemkin (1925)

Tot i que el muntatge no va ser inventat per Sergei Eisenstein, sí que el va dominar d'una manera que mostrava aspectes de la pel·lícula que mai s'havien vist abans. Eisenstein va introduir el materialisme marxista al cinema mitjançant la dialèctica del muntatge, barrejant plans amb plans inversos per crear seqüències més grans i potents. Ho va fer amb més èmfasi en el muntatge i els angles de càmera que els directors anteriors.

El motí de la marina russa que va desencadenar la revolució russa i la creació de la Unió Soviètica es va dramatitzar a l'obra mestra inicial del cinema soviètic, el cuirassat Potemkin.

Sense alè (1960)

Pel que fa a la Nova Onada francesa, molta gent creu que es va dividir en dos grans eixos: les pel·lícules més experimentals i polítiques de Jean-Luc Godard, que reinterpretaven la història de Hollywood en el context particular de la França dels anys 60, i la més espontània, emocional i romàntica de Francois Truffaut. pel·lícules. Breathless (o bout de souffle), el primer llargmetratge de Godard, es va fer famós immediatament abans d'entrar en política.

La pel·lícula, que protagonitza els entranyables Jean-Paul Belmondo i Jean Seberg (l'icònic tall de pixie dels quals va impactar la moda per sempre), és un examen ple de salts del cinema, la joventut i els somiadors que segueix a un menor criminal mentre regateja i cau desesperadament. enamorat d'una noia de diari. Breathless va revolucionar el cinema amb més intensitat en els primers 10 segons que la majoria de pel·lícules senceres.

Ciutadà Kane (1941)

Sí, aquest és un del que tots som conscients. Tot i que molta gent creu amb raó que Citizen Kane és la millor pel·lícula mai produïda, això no nega la realitat que va canviar el llenguatge del cinema per sempre. Tanmateix, a hores d'ara, probablement tots estem farts de sentir parlar de Citizen Kane.

Doble indemnització (1944)

Double Indemnity és un retrat brillant dels impulsos mal dirigits i l'obsessió obsessiva de Billy Wilder i Raymond Chandler. És un dels millors cinema negres i un dels primers genuïns. Una dona fatal (una Barbara Stanwyck impecable) i el ximple que s'enamora d'ella (un Fred MacMurray perfectament normal com un trist home) planen matar el seu marit perquè puguin cobrar assegurança diners a la pel·lícula.

Després de la Segona Guerra Mundial, una onada d'obres mestres cíniques i nihilistes que desafiaven la noció d'excepcionalisme i morals absoluts nord-americans va començar amb Double Indemnity. Tot i que altres pel·lícules negres de la dècada de 1940 poden haver estat superiors (Out of the Past) o estranys (D.O.A.), Wilder's Double Indemnity va arribar primer i va elevar el gènere amb un guió impecable. En aquest divertit i càustic clàssic, Edward G. Robinson ofereix una de les millors actuacions de tots els temps com a investigador d'assegurances.

Al país dels caçadors de caps (1914)

In the Land of the Head Hunters va ser el primer documental que ho va fer, i ho va fer amb un èxit sorprenent. Més tard documentals com Nanook of the North i The Great White Silence, comprensiblement, cridarien més atenció. El poble Kwakwakawakw de la Colúmbia Britànica va ser el tema de la pel·lícula estranya i inquietant d'Edward Curtis, que es va fer una dotzena d'anys abans que es desenvolupés el terme 'documental'.

In the Land of the Head Hunters humanitza la gent d'una manera molt més empàtica que altres curtmetratges i estudis etnogràfics, malgrat que té un guió tècnic, igual que la majoria dels primers documentals. La pel·lícula també narra molts dels rituals, vestits i obres d'art autèntiques de la cultura.

Intolerància (1916)

D.W. Entre 1915 i 1921, el director D.W. Griffith va tenir una carrera increïble, creant nombroses obres d'art que canviarien permanentment la manera de fer les pel·lícules. Tot i que Birth of a Nation va ser la seva primera gran epopeia, la seva mala reputació la limita a ser només de rellevància acadèmica. La seva imatge posterior, Intolerància, segueix sent la seva millor; aprofita els experiments cinematogràfics que va iniciar amb la tecnologia disponible dins d'una història antologitzada que és alhora fascinant i commovedora.

Irònicament, lluny de l'horror del naixement d'una nació, la intolerància va ser un examen de la injustícia al llarg de la història de la humanitat, des de Babilònia fins a l'actual Califòrnia, i encara avui és emocionalment poderosa. Potser és la primera èpica ideal amb els seus trets de dolly produïts per experts, conjunts enormes i legions d'extres.

L'home amb una càmera de cinema (1929)

L'obra mestra soviètica Man with a Movie Camera és una altra pel·lícula experimental, però té una estètica i una empenta completament diferents a Un Chien Andalou, i possiblement té l'invent més cinematogràfic de qualsevol pel·lícula. Dziga Vertov va explorar amb la tecnologia i els processos implicats en la realització de pel·lícules, a diferència de la pel·lícula anterior, que es va centrar més en idees i imatges.

Aquesta pel·lícula increïblement meta sobre un director de fotografia que filma diferents zones de Moscou, Kíev i Odesa incorpora i innova en talls de joc i salt, càmera ràpida i lenta, angles holandesos, pantalla dividida, nombroses exposicions i animació stop-motion.

Metròpoli (1927)

Fritz Lang va inventar moltes de les tècniques cinematogràfiques que vindrien a caracteritzar la ciència ficció durant molts anys amb Metropolis. La pel·lícula alemanya, que domina els primers tòpics com els androides o els cyborgs, els futurs distòpics i el proletariat en lluita sota una xapa brillant, és una mena de llibre de ciència-ficció 'Ur' per al cinema.

A la dècada de 1930, Metropolis va utilitzar miniatures d'una manera que va ajudar a inspirar pel·lícules fantàstiques de fantasia i ciència-ficció com King Kong i Things to Come. El món futur que Lang i el seu equip van imaginar està detallat amb molta cura, amb la classe inferior treballant abans d'emprar un androide potent per enderrocar la classe alta.

Nosferatu (1922)

Nosferatu, possiblement la pel·lícula de terror mut més famosa, es va fer adaptant la novel·la de Bram Stoker per transmetre la història d'un vampir que entra a una petita ciutat i assetja una dona jove. Tot i que el terror ha format part del cinema des dels seus inicis a finals del segle XIX i tenia el poder d'espantar el públic aleshores, la majoria dels espectadors ara tenen dificultats per connectar-se amb el terror a causa de la tecnologia arcaica.

No obstant això, Nosferatu encara és increïblement fantasmagòric avui en dia, i va tenir un impacte significatiu en el desenvolupament de l'atmosfera i els ensurts al llarg del segle següent. Això es deu en part a l'excel·lent direcció de F.W. Murnau, que va produir algunes de les millors pel·lícules de la dècada de 1920, però l'actuació excepcional de Max Schreck, que va ser tan inquietant que alguns van creure genuïnament que era un vampir, proporciona la majoria dels ensurts. Encara avui, 100 anys després, Nosferatu encara fa por a la gent.

Rashomon (1950)

Amb la seva brillant pel·lícula Rashomon, el llegendari Akira Kurosawa va contribuir a la introducció de narradors poc fiables, la subjectivitat postmoderna i l'ambigüitat ètica al cinema. Tot i que potser no és tan genial, grandiós o apassionat com algunes de les seves altres pel·lícules, l'examen d'aquesta de la memòria i la deconstrucció de la narració la converteixen en un clàssic universal amb influència inacabable.

La història gira al voltant de tres testimonis separats que testifiquen en un judici i proporcionen tres narracions diferents del mateix crim, cadascuna de les quals aclareix i complementa les altres alhora que enfosqueix altres aspectes de la realitat. Rashomon és un experiment apassionant de narració que fa un bon ús de la pluja i compta amb una actuació boja de Toshiro Mifune.

Roma, ciutat oberta (1945)

L'obra mestra de Roberto Rossellini, Roma, ciutat oberta, va ser possiblement la primera obra mestra de la postguerra, que va estudiar el trauma i la destrucció que van quedar arran de la Segona Guerra Mundial. Rome, Open City segueix la Resistència contra els nazis alemanys i els feixistes italians a Roma al voltant de 1944, ja que el bàndol perdedor es torna més violent i desesperat, i se centra principalment en un sacerdot que està decidit a ajudar i salvar tantes persones com sigui possible.

Tot i que Umberto D., Paisa o Shoshine poden ser millors pel·lícules neorrealistes italianes, i aquesta és més estilitzada i melodramàtica que la majoria, la seva importància prové del seu entorn històric i de la proximitat al tràgic tema de la guerra. Roma, ciutat oberta, un documental que es va rodar als carrers degradats i que mostrava com de pertorbades estaven Itàlia i la resta del món després de la guerra, encara és increïblement commovedor.

Blancaneus i els set nans (1937)

Blancaneus i els set nans van trencar la presa de creativitat per a les imatges animades, aclaparant constantment el mercat. Tres anys després, Walt Disney faria una feina més gran amb Fantasia. Gràcies a la seva música i llenguatge encantadors, l'animació impressionant i els enfocaments de narració veritablement innovadors, el primer llargmetratge de Disney continua sent un dels millors. En cert sentit, aquesta pel·lícula és responsable de tota l'animació.

Diligència (1939)

El salvatge oest s'ha retratat a la pel·lícula des de El gran robatori de trens de 1903, però no amb molta profunditat fins a finals dels anys trenta. Això es deu al fet que els westerns muts sovint eren molt barats i horterats, i que quan van sortir els cinemes, els estudis de cinema van abandonar el gènere perquè era simplement massa car. Tot i que l'any 1939 es van estrenar diverses pel·lícules llegendàries, com Jesse James, Dodge City i Destry Rides Again, va ser l'obra mestra de John Ford i John Wayne Stagecoach la que va alterar completament el curs dels esdeveniments.

Els mètodes del director per filmar l'acció occidental i equilibrar la fotografia de paisatge amb plans mitjans i primers plans definirien el llenguatge visual de les pel·lícules occidentals durant els propers anys. El rendiment de Wayne a la perfecció i les imatges de Ford a Stagecoach esdevindrien instantàniament icòniques. L'actuació de Wayne en aquesta pel·lícula serviria com a model per a gairebé tots els herois occidentals durant dècades.

Els 400 cops (1959)

Juntament amb Pather panchali i Little Fugitive, The 400 Blows, una de les primeres pel·lícules que va fer una mirada real i sincera a la infància, va ser una de les primeres a introduir la nova onada francesa perenne inspiradora. La pel·lícula se centra en un jove Alain Delon, que no pot deixar d'actuar a classe, se sent ignorat a casa i se sent separat de la resta de la humanitat. Durant els 20 anys següents, Truffaut faria quatre pel·lícules més sobre l'exuberant i entremaliat Delon, totes protagonitzades pel gran Jean-Pierre Léaud. Delon és una personalitat tan emblemàtica.

Les aventures de Robin Hood (1938)

Errol Flynn i Olivia de Havilland a Les aventures de Robin Hood, 1938, Warner Bros.
A finals de la dècada de 1930, gràcies a la perfecció gradual del cinema en color després d'anys d'assaig i error, es van produir una varietat d'imatges visualment impressionants, que van des de Gone with the Wind i +9 fins a Mystery of the Wax Museum i Doctor X. Hi ha un munt de competència, però Les aventures de Robin Hood poden destacar entre la multitud gràcies a la seva combinació de colors en Technicolor viu.

Errol Flynn, Olivia de Havilland, Basil Rathbone, Claude Rains i Alan Hale ofereixen actuacions entranyables en el clàssic de Michael Curtiz, que va ser la primera gran pel·lícula de Warner Bros. i encara és divertida i emocionant 85 anys després.

El carro fantasma (1921)

Amb la meravellosa pel·lícula embruixada The Phantom Carriage, Victor Sjöström va crear una estètica totalment nova amb trucs de càmera i edició brillant. Juntament amb altres efectes especials innovadors, Sjöström i el seu director de fotografia Julius Jaenzon van ajudar a crear gran part de l'horror, la fantasia i el realisme màgic que coneixem i estimem avui. Ho van fer utilitzant una doble exposició a la càmera amb moltes capes.

A The Phantom Carriage, s'explica un conte esgarrifós d'Any Nou a l'hivern de Suècia, amb l'última persona que va morir abans que el rellotge soni la mitjanit és maleïda per recollir les ànimes dels que moren durant l'any que ve.

El setè segell (1957)

L'efecte aplanador de l'era del silenci, que va homogeneïtzar la nacionalitat en requerir només text i imatges, va contribuir, sens dubte, a la popularitat i l'aclamació del cinema internacional. No obstant això, no va ser fins al director Ingmar Bergman i, en particular, El setè segell, que el cinema internacional i 'arthouse' es va generalitzar, significar i fins i tot lucratiu. L'any en què es va estrenar el setè segell, els premis de l'Acadèmia van establir la categoria de millor pel·lícula en llengua estrangera i tots els cineastes i artistes al voltant del món estaria influenciada per la seva estètica increïblement distintiva.

La sombria exploració existencial i els drames de cambra privada de Bergman van servir de contrapès ideal per a l'alegria Technicolor del Hollywood dels anys 50, i moltes persones van descobrir l'honestedat i la integritat cinematogràfica per primera vegada a l'estranger. El setè segell, que segueix a un soldat que torna de les croades que juga als escacs amb la mort i viatja per Suècia amb un grup d'artistes i intèrprets enmig de la pesta bubònica, va perfeccionar l'ara de cliché i burlat ideal d'art de les meditacions ombrívoles sobre la mort. Contràriament a la creença popular, la pel·lícula és en realitat molt més divertida i intrigant del que és habitual. No obstant això, el que realment el va diferenciar d'altres pel·lícules va ser el seu sabor i la seva filosofia estrangers.

El mag d'Oz (1939)

El mag d'Oz és un espectacle visualment espectacular i subtilment inquietant del més gran calibre. És una obra enormement imaginativa i màgica. Antropomorfitzant el seu entorn oníric i poblant-lo de persones vibrants i perdurables, El mag d'Oz aprofita l'inventiva de la joventut construint essencialment un univers sencer dins la ment del jove protagonista. Tot i que la producció va ser un malson terrible, la imatge és simplement perfecció tècnica (i musical) i és estimada tant per nens com per adults.

Problemes al paradís (1932)

Trouble in Paradise va obrir el camí a les comèdies intel·ligents que valoraven el diàleg, el romanç i la trama per sobre de la bufetada i les justificacions narratives de les peces escèniques abans que altres clàssics de parla ràpida com It Happened One Night i His Girl Friday vinguessin a robar-li el tro (no és que hi hagi. qualsevol cosa dolenta amb això; La nostra hospitalitat, Sherlock Jr. o The Gold Rush, sens dubte, es podrien afegir a aquesta llista).

Aquest entranyable film sonor primerenc va ser dirigit per Ernst Lubitsch, el primer gran mestre de les comèdies romàntiques, i es va beneficiar enormement de ser llançat abans de les estrictes restriccions del Codi Hays sobre la sensualitat i el comportament 'immoral' a la pantalla. En aquest divertit tresor primerenc, dos amants criminals intenten estafar una dona rica que treballa en una empresa de perfums, però el romanç complica les coses. Té la mateixa sensació de vitalitat que les comedies romàntiques contemporànies Amor estúpid boig o Sense dormir a Seattle.

Un gos andalús (1929)

Un Chien Andalou, conegut sovint com Un gos andalús, va ser potser la primera pel·lícula surrealista produïda pels grans Luis Buuel i Salvador Dal. No hi ha realment una història aquí; en canvi, hi ha una sèrie d'escenes icòniques, potser metafòriques, que juguen tant amb la forma com amb el tema alhora que produeixen imatges inoblidables (des de formigues a mà fins a possiblement la imatge més icònica del cinema, un globus ocular amb una fulla a punt per tallar-lo). Les futures pel·lícules audaçment experimentals com Meshes of the Afternoon, Dog Star Man i La Jetée serien influenciades per Un Chien Andalou.

Dins les nostres portes (1920)

Durant molt de temps, el gran Oscar Micheaux es va mantenir al marge del cànon del cinema, però en els darrers anys, algunes belles reedicions han ajudat a més gent a conèixer el primer gran cineasta negre veritablement. Treballant fora del sistema d'estudi, les pel·lícules independents de Micheaux posaven èmfasi en la gent de color de la classe treballadora i personatges femenins , dues coses que no vam veure a Hollywood.

Amb l'excepció de l'ara perdut The Homesteader, Within Our Gates va ser la pel·lícula debut de Micheaux i continua sent una de les seves obres més importants i arriscades. La història gira al voltant de les lluites de Sylvia (una Evelyn Preer desgarradora) mentre suporta el racisme institucional a través d'una sèrie d'incidents catastròfics, relacions romàntiques i violència arbitrària.